Arte Urbano

Alexandre Farto, más conocido por Vhils, comenzó pintando a los 13 años trenes y paredes con grafiti y más tarde se hizo famoso gracias a sus retratos de gran formato en fachadas de viviendas. No los pinta, sino que después de trazar su silueta, vacía la pared con ayuda de un cincel. En la actualidad (28 años) es uno de los nombres más reconocidos del arte urbano mundial.

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Retrato de Vhils por Vera Marmelo

Me gusta aprovechar y reutilizar las sobras de una sociedad excesivamente materialista
El objetivo de mi trabajo es que genere discusión y reflexión
Si no existiese el riesgo el grafiti no sería lo mismo

Estas son algunas de las reflexiones de Vhils, un artista inimitable que la prestigiosa revista Forbes incluye en su lista ’30 under 30′: un top en el que se destaca a los treinta jóvenes menores de treinta años, que merecen un reconocimiento internacional. Por eso cogimos nuestro Ford, y fuimos al encuentro de este creador, para ofreceros esta entrevista exclusiva:

GoFord: ¿Qué historias le gusta más contar?

VHILS: Esencialmente historias de personas y la relación que tienen con los lugares en los que viven, basadas en el concepto de molde recíproco que existe entre ellas. Me gusta explorar uniones y asimetrías entre la realidad local y la realidad global, entre personas y el medio. El trabajo se encuentra conectado por una reflexión que abarca el presente modelo de desarrollo socioeconómico, la vida en las sociedades urbanas contemporáneas y el desarrollo de la identidad individual en esos contextos. Analizando algunas de sus características y disecando algunos de sus aspectos en el plano de la creciente uniformidad global, pero después cada cuerpo de trabajo se usa para desarrollar una reflexión más particular dependiendo del contexto en el que surge o se presenta.

¿Le sirve cualquier lugar para pintar o tarda en encontrar el sitio adecuado?

Depende mucho de la naturaleza del proyecto. Hay algunos personales en los que la elección se realiza en función de aquello que el proyecto abordará, y las paredes que se logran encontrar con las características que se quieren. En este caso la libertad de acción es mayor, pero una vez más depende de aquello que se pretende: en el caso del trabajo desarrollado con una comunidad específica, por ejemplo, irá a abordar cuestiones que se relacionan directamente con ella y el local donde esta vive, por lo que la elección se realiza en función de estos elementos. Hay también casos en los que una pieza se crea en el ámbito de un evento específico, y ahí la organización atribuye generalmente el local.

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Girona, fotografía de Smart-Bastard

Grafiti o retratos, ¿alguna preferencia?

Son áreas diferentes. Grafiti es una actividad personal desarrollada lejos del conocimiento público, mientras que los retratos forman parte de la obra artística que se desarrolla públicamente. La obra no es grafiti y el grafiti no forma parte de la obra, aunque ésta debe mucho a lo que aprendí pintando grafiti, tanto en lo que se refiere a la relación con el espacio urbano como en términos de los conceptos que he explotado y algunas de las herramientas y técnicas que he desarrollado. Esencialmente el grafiti cumple una función mientras que la obra cumple otra. Para mí las dos son igualmente importantes, pero públicamente lo que interesa es la obra.

Ya ha trabajado con explosivos. ¿Qué tipo de materiales le gusta utilizar?

A partida no rechazo nada, me gusta trabajar con todo aquello en lo que veo potencial. He recurrido mucho a materiales descartados y menos nobles, que vienen de la intención de explotar lo que ofrece el medio urbano, en términos conceptuales y materiales. Me gusta valorar aquello que fue descartado y trabajar con materiales rechazados, aprovechar y reutilizar las sobras de una sociedad excesivamente materialista, así como trabajar con el caos y la casualidad que el medio urbano ofrece.

Con sus trabajos, ¿busca más la provocación o la reflexión?

Sobre todo la reflexión. Me gusta pensar que las piezas estimulan a las personas, que les ofrecen una base para reflexionar sobre cuestiones que considero importantes. No tienen por objetivo ser provocativas, no critican directamente, no ofrecen soluciones para las cuestiones en causa, pero ayudan a divulgarlas y llaman la atención de las personas hacia ellas. El objetivo es que genere discusión y reflexión.

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Pekín

¿Cómo escoge el rostro que va a representar una ciudad?

En función del proyecto. Algunos desarrollados específicamente para un local, donde las personas se eligen en función de la relación que tienen con él, mientras otros pueden tener una relación con un proyecto iniciado en otro local, recorriendo las imágenes y retratos ya trabajados en otro sitio. O sea, hay trabajos que representan personas específicas en conexión con las comunidades o locales donde éstas habitan, hay otros que representan personas de otros locales, subrayando el contraste entre realidades locales y globales, y otros aún donde los retratos son compuestos creados a partir de la fusión de varias imágenes que también hablan de la aglutinación de identidades generada por la globalización.

¿Se ha encontrado con muchas personas sin identidad?

No, a pesar de la creciente uniformización, por un lado, y alienación, por otro, a la que asistimos en las sociedades urbanas contemporáneas, todas las personas tienen su identidad, aunque la identidad de unas pueda ser más visible que la de las otras. Muchos proyectos que desarrollo tienen por objetivo ayudar a que sea visible aquello que es invisible.

¿Cuál es la parte más difícil de su trabajo?

¡Las entrevistas! El desarrollo de una pieza puede ofrecer muchas dificultades en términos de medios o logística, pero después explicarla de forma adecuada en pocas palabras me parece mucho más difícil.

Como portugués conoce bien la realidad de su país, ¿cómo hace cuando trabaja en otras ciudades? ¿Cómo logra captar tanta sensibilidad en los rostros?

Indago antes de llegar al local y después se complementa con la búsqueda en el propio sitio. El local da un fundamento importante al trabajo pero este tiene esencialmente una dimensión local y una global. Lo local se da a través de la realidad donde se realiza, o sea, hay una conexión estructural fuerte con el medio donde cada pieza se crea o se presenta, una conexión de contexto pero también de materia y temática. Los temas específicos que exploto tienen origen en esa ciudad, los materiales también provienen de ese contexto, las personas retratadas muchas veces también, así como los colores, los padrones y otros elementos gráficos que a veces incluyo en las piezas. Todo esto proviene de la búsqueda y de mis observaciones en el terreno. Después cada uno de estos contextos y cada una de estas piezas tienen una conexión con una reflexión mayor que se extiende a todo el trabajo: una conexión con la realidad global donde se insieren esos pequeños contextos, y una lectura que abarca la creciente homogenización de los espacios urbanos alrededor del mundo que se encuentra transformando las características antaño marcadamente únicas de estas realidades locales.

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Roma

¿Siente que la sociedad actual respeta la pintura urbana o todavía no ocupa el papel que merece dentro del arte?

Siento que en los últimos años ha habido una creciente aceptación e interés por parte del público que refleja una tendencia muy interesante que ha contribuido para encuadrar y valorizar estas formas de intervención en el espacio público. Esta evolución ha sido muy positiva.

¿Cree que las personas tienen miedo de actuar en el espacio público? ¿Hace falta arriesgar mucho para pintar paredes o trenes?

Sí, por un lado creo que existe algo de miedo pero por otro lado también alguna apatía. Para desarrollar proyectos de gran escala, que son mayoritariamente comisariados, no hay riesgo, pero en términos generales de grafiti sí, el riesgo puede ser grande, pero es eso lo que lo convierte en aliciente. Sin el riesgo no sería lo mismo.

¿En qué ciudad le gustaría realizar un retrato?

Son muchas, pero prefiero ir realizando proyectos en vez de soñarlos.

Ser un artista conocido, ¿le ha hecho cambiar su forma de trabajar? ¿Siente más presión?

Talvez haya un aumento de responsabilidad, pero el modo de trabajar y la relación con las piezas, da atención al placer, continúan esencialmente los mismos. Sin querer retirar importancia a la dimensión que la obra ha ganado, mi vida no ha cambiado de forma significativa, ni en términos personales ni en los profesionales.

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Sidney

También trabaja dentro del estudio. ¿Le gusta inventar?

Sí. El estudio es una especie de laboratorio donde logro desarrollar varias experiencias al mismo tiempo. Fue siempre un componente muy importante del trabajo, y una con las que disfruto más. Me gusta tocar los materiales, arriesgar, ver hasta donde los logro llevar. Muchos de los cuerpos con los que trabajo han surgido experimentando, incorporando aquello que resulta e incluso errores y asimetrías que ahí surgen. El hecho de trabajar en varias áreas y sobre varios soportes responde a ese interés. Cada soporte acaba después por servir para transportar determinados contenidos.

Ahora que solicitan su obra en muchos países, ¿en qué proyectos está trabajando?

Voy a abrir un pequeño taller en Hong Kong que servirá para desarrollar en el próximo año tres y cuatro exposiciones en instituciones, en Asia, en Europa y posiblemente en Estados Unidos. Aparte de eso la prioridad será volver a la raíz del trabajo y volver a desarrollar proyectos para comunidades.

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